Exposición 10: "Jaume Plensa: Invisibles"

Jaume Plensa es un artista escultor que nació en Barcelona en 1955. Es uno de los artistas españoles con mayor repercusión internacional. Ha trabajado en muchos países exponiendo sus obras.  La exposición "Invisibles" se basa en recrear en el tiempo cabezas gigantes de malla de acero traspasadas por la luz en el Palacio de Cristal del Retiro de Madrid. La exposición dura del 16 de noviembre de 2018 al 3 de marzo de 2019.

Jaume utiliza la literatura, la psicología, el lenguaje y la expresión como herramientas para trabajar sus creaciones. Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal. Esta obra está hecha expresamente para este lugar. Es un grupo escultórico formado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de tres figuras femeninas suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo.

La representación de la figura humana se ha centrado mucho en la historia de la escultura como en la memoria de personas que han desaparecido o monumentos de personas que han hecho algo distintivo a lo largo de su vida. De alguna manera estas tres cabezas son como un eco visual de la arquitectura del Palacio de Cristal. Las curvas en las cabezas son como memorias de la situación de este edificio. Jaume siempre arriesga independientemente de los lenguajes de su época. La representación de las figuras crea una relación entre lo visible y lo invisible.

Diciendo invisibles, el propio artista piensa que lo abraza todo. La invisibilidad de muchas partes de nosotros que muchas veces, por ejemplo, nos de pudor comunicar con los demás, y también grandes partes de la sociedad que se nos convierten en invisibles; gente que sufre, que se mueve a otros lugares para vivir...

Es una obra que pide un cierto ejercicio de percepción visual por parte del público. Pide cierto reposo y calma y obliga al espectador a ser activo con su mirada. La instalación es bastante interesante. El artista recomienda venir de día pero también la visita nocturna.

Jaume Plensa lleva muchos años trabajando la cabeza, tal vez la parte más importante de nuestro cuerpo, no solo por la cara, sino por el "gran palacio" de los sueños, el conocimiento, los pensamientos... Plensa representa rostros de mujeres jóvenes con los ojos cerrados. El artista piensa que la memoria era femenina y el futuro también. Que lo masculino es un accidente maravilloso, pero un accidente. Y con esta obra reivindica la feminidad.

Algunas fotos de la exposición son las siguientes:

Exposición 9: "Lina Bo Bardi"

La exposición de Lina Bo Bardi se encuentra en la Fundación Juan March en Madrid. En 2009 se inauguró en esta Fundación una serie de exposiciones dedicadas a Latinoamérica. Entre ellas, destacó el arte modernista de la brasileña Lina Bo Bardi, en el cual representa el Brasil de los años 20 y 30.













Lina Bo Bardi: Tupí or not tupí. Brasil 1947-1992. La italiana Lina Bo Bardi nació en Roma en 1914 y murió en Sao Paulo en el 92. Está formada como arquitecta y llegó a Brasil con su marido, Pietro María Bardi donde se entusiasmaría con este nuevo país como arquitecta, museógrafa, diseñadora, escritora y activista cultural.

Esta exposición es la primera que se realiza en España sobre esta artista y se llama así haciendo referencia a la famosa cita shakesperiana. En esta exposición encarna aspectos de su lugar de origen y del lugar que no abandonaría hasta su muerte mezclando diferentes mundos. Describe muy bien Brasil desde su perspectiva, las ciudades en las que ha vivido, sus viajes, los edificios que construyó o restauró, las exposiciones que organizó, los objetos que coleccionó, las personas con las que trabajó. Es una especie de museo abierto que gira alrededor del espectador y presenta 348 obras entre dibujos, pinturas, fotos, objetos, esculturas, documentos y piezas de artesanía.

La muestra incide en los temas centrales de su persona y su arquitectura y pretende hacer visible su obra y los efectos que tuvo en la sociedad y en el mundo.

Al entrar en la exposición se encontraba una gran obra muy famosa suya, La gran Vaca Mecánica

A lo largo de toda la exposición, en la pared se encontraban sus obras de dibujos, pinturas, planos y fotos de los comienzos y de toda su carrera. También había obras de otros artistas que han pasado por la vida de Lina Bo Bardi. En el medio se encontraban algunos vestidos diseñados por ella y en la otra parte de la sala había objetos creados por ella o por seres queridos o conocidos suyos de otras nacionalidades. Al final de toda la exposición había una tienda de merchandising sobre Lina Bo Bardi y sus obras.

Aquí os dejo algunas fotos que hice de las obras que más me llamaron la atención:

Exposición 8: "Nosotros, Robots"

El día 10 de noviembre estuve en la exposición "Nosotros, robots" en la calle Fuencarral, en el edificio de Telefónica. La exposición estaba en la tercera planta y la entrada era oscura con las letras del nombre gigantes iluminadas con colores estilo futurista.

Contaba con diferentes espacios, nada mas entrar en la pared ponían la evolución de los robots a lo largo de la historia y sus autores.

La exposición se dividía en 5 partes. La primera se titulaba "Antepasados". La idea de que las máquinas hicieran el trabajo de las personas comenzó en la Antigüedad. En el medievo, la imaginación y la fascinación por las maquinarias aumentaron y se fabricaron los primeros verdaderos autómatas. Entraron pronto en la literatura como en Don Quijote y la cabeza parlante. En la época en que los filósofos veían al ser humano como un mecanismo perfeccionado los autómatas provocaron una reflexión acerca del ser, como lo hacen los humanoides. Los autómatas abrieron el camino a los robots y estos acabaron con ellos. 

La segunda parte se llama "Conócenos". Un robot se puede definir como un aparato fabricado por el hombre, capaz de detectar, comprender e interactuar con su entorno. Todos ellos comparten algunos elementos como los controladores, los sensores, los efectores y los actuadores. Cada uno tiene una función para que el robot se mueva correctamente. Algunas tipologías que hay en el mundo de los robots son: robots industriales, robots de servicios (depende de su aplicación) o humanoides , antropomórficos animanoides o plantoides (dependiendo de su forma). También drones, enjambres,
modulares (por su medio de locomoción)

La tercera parte en que se divide la exposición se titula "Emociones". Para que sirvan correctamente a los humanos los robots, deben saber detectar los estados de ánimo y emociones de ellos. Se están logrando avances muy importantes como la detección de la voz, o de caras y expresiones. 
Una investigación de la Universidad de Stanford concluyó con que las personas pueden experimentar sentimientos de cariño hacia estos nuevos aparatos. Estos últimos avances indican que no es dificil deducir emociones o sentimientos a partir de datos.

La cuarta parte de esta exposición se llama "Imagina". Esta parte trata de la ciencia ficción. Las narraciones con protagonistas robóticos llevan milenios alimentando la creatividad de artistas y científicos. El poder de la ficción es plantear mundos hoy imposibles que originen mundos posibles. La ciencia tiene la capacidad de aceptar el reto y llevarlos a la práctica impulsando a los creadores a crear nueva ficción. La cantidad de obras de ficción relacionadas del ámbito de literatura y cine es enorme.

La última parte se llama "A tu servicio". Los robots existen para hacerle la vida más fácil a los humanos. Aunque no los percibamos estamos rodeados de automatismos que se aproximan a los robots. Todo lo fundamental se está llenando de robots como la medicina, cirugía o las labores caseras. El Parlamento Europeo se está planeando si hay que darles algún tipo de reconocimiento como "personas electrónicas" a futuros robots más avanzados.

La exposición en general ha sido muy interesante y muy completa para quien no sabe demasiado acerca de los robots. Las habitaciones eran oscuras y grandes, muy decoradas para la propia exposición con luces de neón, los robots por todas las habitaciones y pantallas con proyecciones por las paredes. Hice algunas fotos a los robots y a las proyecciones que son las siguientes: 

Exposición 7: "Eugenio Ampudia: Sostener el infinito en la palma de la mano"

La siguiente exposición se encuentra en la calle Alcalá 31 y dura hasta el 4 de noviembre. En la obra de Eugenio Ampudia, se interrelacionan tres conceptos: el tiempo, el juego y el acto de dormir, todo ello sobre una mirada de la historia del arte. Esta exposición tiene una doble finalidad; ofrecer un vistazo a las obras más relevantes y representativas del trabajo de Eugenio Ampudia en los últimos años, y presentar una nueva instalación creada para la sala Alcalá 31.

La unión de las dos partes permite una lectura original de algunos conceptos presentes en el trabajo del artista y abre camino a un proyecto que pretende huir de los guiones cerrados y también interactúa con el público.

El tiempo, el juego y el dormir han sido siempre abordados por separado desde el arte. Aquí el objetivo es entrelazarlos para redefinirlos como espacios útiles para reformular los roles establecidos en el arte.

Nada más entrar en la sala, el espectador se encuentra con un laberinto de relojes en tres dimensiones, muy grandes que se podían ver perfectamente desde el segundo piso. Esto hace referencia al tiempo. En los laterales el artista exponía su biblioteca, la que le hizo falta a lo largo de su carrera y había diferentes proyecciones en las paredes de museos, documentales, videoinstalaciones interactivas que duraban pocos minutos.

Al final de esta sala estaba la parte del juego, que consistía en una especie de Tetris gigante, proyectado en la pared interactivo donde el espectador podía mover las figuras que eran obras de arte.

Por último, el piso de arriba se dedicaba solamente a la parte de dormir. Consistía en varias proyecciones en la pared de rutas en museos y documentales del artista "acampando" en museos delante de obras de arte. Enfrente de esas proyecciones había colchones donde el espectador puede imitar al hombre que hay en la pantalla y sentarse, tumbarse y hasta dormirse.

La exposición en general estuvo muy interesante porque ningún artista que haya conocido había mezclado esos tres conceptos de una manera tan original. Con esta relación se interpela a futuros posibles y nos permite creer en la posibilidad de sostener el infinito en la palma de nuestras manos.

Exposición 6: "Doce fotógrafos en el Museo del Prado"

El pasado 26 de octubre estuvimos en el Museo del Prado de Madrid para ver la exposición de los Doce fotógrafos en el Museo del Prado que dura hasta el 13 de enero de 2019. La sala de exposiciones temporales era el edificio Jerónimos donde se encontraba esta exposición junto con algunas más.

La sala donde estaban todas las fotografías expuestas era un pasillo largo y algo estrecho y las obras se encontraban a la derecha junto con sus respectivas explicaciones y nombres de los artistas.

A lo largo de la historia, los museos han servido de inspiración para muchos artistas que han estudiado sus obras, para seguirlas o para desafiarlas. En los dos casos han servido de enseñanza y diálogo entre los artistas contemporáneos y pasados, lo que ha dado resultados fructíferos. En este caso, doce fotógrafos contemporáneos comenzaron a trabajar en las obras del Prado y de ahí nace esta gran colección de 24 obras.

Por esto mismo, la fotografía ha tenido un estrecho vínculo con los museos y por ello, el Prado no es ninguna excepción, pues muchas de sus obras aparecen en importantes libros de arte y de historia, internacionales. Esta exposición trata de comprender mejor y contemplar de otra manera el patrimonio conservado del Museo del Prado. Los fotógrafos al tratar las obras nos propone un punto de vista diferente, más personal e íntimo. Se produce entonces un cruce de miradas entre el artista pasado, el fotógrafo contemporáneo y el espectador de ambas obras. Los doce fotógrafos son:

+ José Manuel Ballester
+ Bleda y Rosa
+Javier Campano
+ Joan Fontecuberta
+ Alberto García-Alix
+ Pierre Gonnord
+ Chema Madoz
+ Cristina de Middel
+ Isabel Muñoz
+ Aitor Ortiz
+ Pilar Pequeño
+ Javier Vallhonrat

Cada fotógrafo expuso dos de sus obras. Había mucha variedad entre ellos y eso era un plus muy importante. Algunos se basaban en formas geométricas, otros tenían técnicas concretas como la fotografía debajo del agua, otros hacían edición digital entre cuadros y fotografías...
De cada fotografía llamaba algo la atención. Aquí algunas de ellas:

Una de las fotografías que más me llamó la atención fue esta, de Pierre Gonnord. Este fotógrafo expuso dos retratos, y uno de ellos es este. Me llamó la atención porque al modelo lo encontró de manera improvisada en una exposición cualquiera del Museo del Prado y le atrajo su manera de fijarse en los cuadros y su mirada. De ahí, le pidió que si quería ser modelo para este retrato y ha triunfado.

Había también fotografías muy interesantes como las que se hicieron bajo el agua de Isabel Muñoz que simulan la ascensión a los cielos.




En general es una exposición corta a no ser que el espectador se interese un poco más en los artistas y en el vínculo de cada fotografía con el Museo del Prado, aunque brevemente lo explicaban en cada sección.

Exposición 5: "Museo de Historia de Madrid"

El día 17 de octubre estuvimos en el Museo de Historia de Madrid. El Museo de Historia fue creado en 1929 en memoria histórica de la ciudad. Su primer director fue Manuel Machado.

Está instalado en el antiguo Hospicio de Madrid, que construyó el arquitecto Pedro de Ribera durante el reinado de Felipe V. La fachada de este museo es una obra maestra del barroco español. Este museo explica la evolución de la ciudad desde su transformación de la corte en monarquía española en 1561 hasta convertirse en una ciudad moderna de las primeras décadas del siglo XX

Lo que se expone en el museo, que son estampas, pinturas, fotografías, maquetas, porcelanas y abanicos muestran la evolución histórica y urbana de la ciudad, el arte y la vida y costumbres de los madrileños en la época. en estas colecciones se muestran vistas, paisajes, edificios, monumentos, calles, planos e iconografía de personajes importantes, cotidianos y, en general, de toda la sociedad y grupos sociales.

Entre las piezas más significativas se encuentran "La Alegoría de Madrid" de Goya y una de las maquetas más importantes de Europa "El Modelo de Madrid" que por su precisión y detalle tiene un valor incalculable.

Todo el museo se podía dividir en varias plantas y salas donde en cada una de ellas se podía ver una etapa y época diferente al igual que un tipo de arte diferente. En la sala por donde entramos se veía un recorrido a lo largo del tiempo hecho con fotografías del lugar donde se halla este museo, la Plaza Mayor. Se veía la evolución desde que comenzó su construcción, fotografías icónicas de madrileños y una gran maqueta de la plaza completa con todo tipo de detalles.

                           





















La planta 0 se encabezaba por el título "Villa, corte y capital de dos mundos" del siglo XVI y XVII. En esta planta se encontraban los planos de la nueva ciudad contrastados con la antigua ciudad, la evolución de la misma y elementos característicos también de ella. Algunos de ellos son:

La planta 1 se llamaba "centro del iluminismo y del poder" 1700-1814. Narra la Guerra de la independencia y la vida en la sociedad durante ella misma a base de pinturas, cerámicas, abanicos y grabados. Sigue haciendo una descripción de la ciudad de Madrid y de su evolución en esa etapa.

Por último, la segunda planta era más contemporánea donde se exponía la realidad un poco más actual, se representaba el progreso, el tiempo libre, la diversión en la sociedad madrileña, la mujer en el siglo XIX y el Madrid industrial. Eran pinturas mayormente aunque también había cerámicas, bocetos a lápiz, más abanicos y bordados en tela.

Exposición 4: "Primavera Silenciosa" Gabriela Bettini

La siguiente exposición se encuentra igual en la calle Doctor Fourquet en la Galería Silvestre, pero me pareció tan interesante el cometido de esta artista y lo que representaba que merecía una entrada entera en este blog.

Gabriela Bettini es una artista madrileña que se dedica a investigar las primeras colonizaciones culturales en relación con lo que han dejado en la sociedad actual. En sus cuadros plasma la naturaleza de tal manera que fortalece sus ideas sobre el medioambiente, el pensamiento feminista, el cambio climático, las colonizaciones, violencia... En muchos de sus dibujos y vídeos se ha acercado a experiencias de su vida, a lugares entre medias de realidades que han servido de metáfora del estado de ambigüedad propias de quien lo transitan.

Lo primero que vimos al entrar a la exposición fueron los folletos informativos sobre ella misma. Los cuadros eran de tamaño medio y contrastaban los colores. La artista en cuestión fusionaba escenas de la naturaleza que explicaré más adelante con partes monócromas de color naranja o rojo, haciendo veladura sobre la propia escena, dando sensación de profundidad. Gabriela lleva trabajando muchos años en la idea de la naturaleza como territorio colonizado, donde se inscribe la mujer como paradigma de la violencia. así, en esta serie ha ido recopilando imágenes de paisajes actuales en los que se han cometido feminicidios, para así dar visibilidad y reconocimiento a una serie de mujeres que han defendido la causa medioambiental.

Gabriela dice que la naturaleza no es lo que se ve, sino lo que se impone, lo que se silencia, lo que se disciplina o lo que se destruye. Por eso  sus pinturas cruzan dos tipos de imágenes, unas alusivas a la naturaleza como espacio de las especies y otras representativas de "los monocultivos de la mente".

Había cuadros que llamaban mucho la atención al espectador por originalidad y técnica. Los lienzos no eran blancos sino que tenían un tono marrón, que hacían de fondo simulando tierra. La técnica es óleo y utilizaba colores vivos, representando todo lo natural, animales, plantas, flores... Las veladuras eran naranjas o rojas y se superponían a las escenas anteriores.

Algunos ejemplos de las obras son los siguientes:

Esta exposición es totalmente recomendable, está activa en la calle Doctor Fourquet hasta el 10 de noviembre de 2018.