Clase 19 (27 de noviembre 2018)

Hoy, la clase se ha basado en ver un vídeo de formas geométricas y ciertas curiosidades sobre ellas. Al principio de la clase la maestra ha explicado el libro recomendado y nos ha dado ciertas pautas sobre lo que vamos a hacer los próximos días que quedan de clase, que son muy pocos.

El vídeo que hemos visto hoy es el siguiente: https://www.youtube.com/watch?v=-fUYGRoM9EY

Al final de la clase, la profesora nos ha dicho que guardemos todos los apuntes y todos los móviles y nos separemos de nuestros compañeros. Nos iba a hacer un pequeño control sobre el vídeo que habíamos visto. Solamente eran dos preguntas:

¿Qué formas geométricas (y platónicas) has descubierto en el vídeo?
¿En qué consiste la matemática fragmentaria y cómo se puede aplicar al arte?

Era un examen muy corto, por lo tanto, hemos acabado todos pronto más o menos a la vez y tras esto la clase ha finalizado.

                                                                    Formas platónicas

Clase 18 (23 de noviembre 2018)

La clase de este día fue igual que la clase del martes anterior. Continuamos todos con el trabajo de light painting. Primero colocamos rápido las mesas para apagar las luces y aprovechar más el tiempo. A mi grupo le quedaba hacer las fotos de dibujar en el fondo y de juntar las tres técnicas y así fue el resultado:

Ejercicio: Análisis de un libro "El Hombre que andaba en el Color"

El libro se puede dividir en varios capítulos que son:
- Andar en el desierto
- Andar en la luz
- Andar en el color
- Andar en el espaciamiento
- Andar en el límite
- Andar bajo la mirada del cielo
- Caer en la fábula del lugar

Cada capítulo trata de un aspecto diferente del autor y del artista en el que se basa, James Turrell. A su vez trata diferentes temas como puede ser la religión, la filosofía y el arte de la luz y el espaciamiento. 
El capítulo primero del libro explica la situación en la que gira todo el argumento del libro que es el hombre andando sobre el desierto amarillo, sin rumbo y sin sentido del tiempo. El protagonista no es el hombre, sino el desierto de color amarillo y su horizonte. Con esto surge la creación del Ausente que lleva al segundo capítulo. 
El Ausente crea una alianza con el hombre y este tiene que construir las obras arquitectónicas para que resida dios y sus riquezas. El tema que aborda es la religión que lo relaciona con el Éxodo que es el origen de dios. 
En los futuros capítulos se va centrando más en el arte y en la obra de James Turrell pero nunca dejando de relacionarlo con la inmensidad del desierto y los límites y horizontes de los colores. A lo largo de toda la obra ofrece una cantidad de metáforas que hacen que las expresiones del autor sean muy concretas pero a la vez muy ambiguas ya que trata los temas de manera muy filosófica (haciendo mención a varios filósofos también)
La religión aborda la primera parte, el arte moderno y la obra de James Turrell aborda el resto del libro y la filosofía está presente durante todo el libro. 
Andar en el espaciamiento y Andar en el límite son los capítulos en los que Huberman hace reflexionar al lector sobre las obras de arte del estilo de un rectángulo flotando en la pared de color escarlata y de las galerías de arte, las habitaciones de cierre creadas para ver y para pensar de Turrell. Los siguientes capítulos tratan de las obras de Turrel más en profundidad, en concreto una que son los Skyspaces que es una mirada al cielo enmarcado, que te absorbe, sin límites. 

Se trata de un libro un tanto filosófico que muestra muchos aspectos de la vida relacionados con el arte moderno, la religión, filosofía. Me gustan mucho los libros que te hacen replantearte ciertas cosas en las que no te habías parado nunca a pensar y que dándole vueltas y viéndolas de diferente manera sacas conclusiones muy interesantes. 
Éste libro es de esa forma y por eso lo elegí. Hice una pequeña selección de libros de la lista que estaba colgada en el aula virtual y me leí sus sinopsis. No fue el que más me atrajo de primeras pero tenía algunas cosas que me llamaban mucho la atención y sabía que alguna vez lo iba a leer así que lo elegí. 

En la sinopsis habla mucho de lugares inexistentes, improbables o imposibles y se basa en James Turrell, un artista estadounidense que basa su arte y su forma de expresarse en la luz y en el espacio. A este autor lo conocía de antes y nunca me había parado a investigarlo así que esa también es una de las razones por las que elegí el libro. El toque filosófico que el autor da en la sinopsis (y luego a lo largo de todo el libro) me hizo recapacitar que nunca me había leído un libro de ese estilo y por probar también lo hice. 
La filosofía no es mi fuerte pero me gusta mucho leer cosas que me hacen darle vueltas a las cosas y pensar para sacar conclusiones útiles y curiosas. 
También inserta términos interesantes que me atrajeron a leerlo como el límite, horizonte o la inmensidad del desierto relacionado con construir “lugares para ver”.

Ejercicio: "Grados de iconicidad"

Este ejercicio consiste en crear diferentes grados de iconicidad alrededor de un mismo objeto, en escala. En mi caso he escogido como objeto un mechero encendido y he hecho cinco grados, de menor iconicidad a mayor. En la primera imagen hice un garabato, en la segunda un dibujo donde se entendía que era un mechero, en el tercero un dibujo más elaborado del objeto, y la cuarta y quinta imagen son una fotografía y un vídeo.

GRADO 1












GRADO 2










GRADO 3











GRADO 4

GRADO 5

Clase 17 (20 de noviembre 2018)

La clase de hoy ha consistido en hacer una sesión completa, que va a durar toda la semana, de light painting por grupos. Al comenzar la clase la profesora ha explicado rápido lo que íbamos a hacer hoy y todos hemos traído los materiales necesarios que explique en el blog diario anterior.

Entre todos pusimos las mesas en el centro para tener suficiente espacio para montar nuestros respectivos estudios de fotografía con tela negra y cartones negros. Nos repartimos por todos los bordes de la clase por grupos y apagaron las luces.

La profesora explicó la manera de poner la cámara para realizar esta técnica y nos dejó toda la hora libre para fotografías y organizarnos.

Nosotras trajimos luces de navidad, linternas, punteros láser y papel celofan para hacer diferentes tonos de luz. Con todo esto conseguimos crear varias fotos con un buen resultado. La próxima clase seguiremos con este proyecto. Nos pusimos todas de acuerdo para que el tema del proyecto fuera todo lo relacionado con lo macabro. De momento en esta clase hemos creado lo siguiente:

Clase 16 (16 de noviembre 2018)

La clase de hoy terminamos de escuchar y poner nota a todas las exposiciones sobre Light Painting, autores famosos y los aspectos de la cámara que hacen falta para realizarlo. Quedaban unas 6 exposiciones y con todas ellas aprendimos a la perfección cómo hacer esta gran técnica y su historia. Por eso, el próximo trabajo que hay que hacer en clase durante la semana entera consistirá en crear un plató totalmente oscuro y hacer diferentes tipos de light painting.
El ejercicio completo consistirá en:

+ Hacer 3 ejercicios de trabajar el fondo
+ 3 ejercicios de dibujar directamente a cámara
+ 3 ejercicios iluminando objetos
+ 3 ejercicios iluminando las tres cosas anteriores.

Para este ejercicio es necesario vestir con ropa totalmente negra para evitar fotos imperfectas, y material como tela negra para los fondos, cámara, trípode y diferentes luces.

El resto de la clase la profesora trató de explicarnos diferentes tipos de fotos para crear diferentes tipos de resultados muy curiosos. Por ejemplo, al iluminar un cuerpo colgado de una rama o una viga, dibujarle alas, parecería que está volando o, otro ejemplo, iluminar un cuerpo entero y una cabeza en las manos de dicho cuerpo, simulando que tiene la cabeza en sus manos. De estos ejemplos hay varios y los pondremos en práctica, serán colgados en los próximos blogs.

Clase 15 (13 de noviembre 2018)

La clase de hoy también se ha dividido en dos partes. Nada más empezar la clase, la profesora ha hecho una demostración del trabajo sobre texturas que nos mandó hacer la semana pasada. Crear una obra artística con diferentes tipos de relieves, frottages y materias de carga. Nos ha hecho una demostración de cómo se hace un tipo de cada una, un frottage del pelo de una compañera sobre un folio y una composición en relieve mezclando cola, pintura y mármol en polvo.

Con esta explicación nos ha dejado más claro en lo que consistía el trabajo porque no estábamos muy enterados.

Seguidamente nos recomendó el libro diario que es:

+ "Los cornudos del viejo arte moderno" de Salvador Dalí

La segunda parte de la clase era más práctica. Nos hemos dividido en grupos y nos ha mandado hacer a cada grupo un PowerPoint para exponer en clase sobre el light painting y prepararlo todo en media hora. A mi grupo le ha tocado realizar la presentación sobre las apps que sirven para realizar light painting. Algunos ejemplos de fotos hechas con light painting son:

Y algunas de las apps que mi grupo ha encontrado para hacer esta técnica son:

+ Wow stuff Light Painting

+ Canvasso

+ Light Painter

+ Strokes Camera

Clase 14 (9 de noviembre 2018)

La clase de hoy ha sido teórica y práctica. La profesora ha comenzado recomendando dos libros muy buenos que son los siguientes:
+ "Izquierda y derecha en el cosmos" de Martin Gardner
+ "El zorro y la estrella"

Tras esto, nos puso una presentación sobre la luz y la sombra, de lo que después haríamos una práctica individual al final de clase. Empezó hablando sobre la luz.

Sin luz, lo visual no existe. Siempre ha representado lo divino, lo sagrado y lo inalcanzable. Se habla de vencer a la noche cuando se inventó el fuego, ya que fue una gran revolución. La luz crea ciclos, por eso la creatividad se ve muy afectada.
En cuanto a las sombras, pegan la figura al suelo. Hay muchos artistas que juegan con las sombras como Juan Zamora.
Hay dos tipos de iluminación:

+ Iluminación natural como por ejemplo, en el cuadro de las Meninas. Un artista que juega con este tipo de luz es Eugenio Recuenco que comenzó con pocos medios y con mucha creatividad. Imita la luz lateral de Vermeer.
+ Iluminación artificial, pudiendo ser cenital, rasante, lateral, frontal o reflejada. Pero se divide en dos más generales: continua, que son los focos, y discontinua que es el flash.

De lo siguiente que hablamos fue de la sombra, que es donde no llega la luz. Es la proyección de un cuerpo. Da volumen y textura. Las figuras pesan gracias a las sombras.
La luz tiene una gran capacidad de ocultar al igual que la sombra y hay tres niveles, luz, sombra y penumbra.
La profesora nos habló de diferentes artistas como Francis Bacon, Rafael Lozano-Hemmer (que trabaja con proyecciones y sombras), Fabrizio Corneli y Dan Flavin.

En la pizarra, nos puso una imagen de Eugenio Recuenco para preguntarnos por el significado que ésta tenía que nosotros mismos interpretábamos. Era la siguiente:

Tras explicarnos todo esto y acabar la presentación, nos mandó hacer una práctica que consistía en realizar tres fotos de manera individual de un mismo objeto con tres tipos de luces diferentes: luz natural, luz artificial y luz discontinua. Yo elegí un mp3 y me quedó el siguiente resultado:

Luz natural

Luz artificial

Luz discontinua

Ejercicio: "Fotografías basadas en un tipo de composición o ley de Gestalt"

Las siguientes imágenes son la parte práctica que nos mandó hacer la profesora en la clase del 23 de octubre. Hablamos sobre la composición en las imágenes y sobre las leyes de la Gestalt. El ejercicio consistía en crear con la figura humana, alrededor de un tema concreto, las diferentes composiciones que la profesora explicó en clase. Algunos resultados fueron los siguientes:



Ley de cierre

Composición ascendente

Composición triangular

 Composición en espiral o circular

 Composición dominante curva

 Ley de simplicidad

Composición descendente

Clase 13 (6 de noviembre 2018)

La clase de hoy ha sido teórica entera. La profesora ha comenzado recomendando dos libros que son los siguientes:

+ "Elogio a la sombra" de Tanizaki
+ "Notas de cocina" de Leonardo Da Vinci

Después, comenzó la clase enseñándonos una presentación sobre las texturas. Las texturas junto con el color y la iluminación ayuda a la interpretación de una imagen.
Empezó hablando del frottage, cómo se hace, para qué se utiliza y autores relacionados con él. El frottage es una técnica para plasmar texturas de lo que sea sobre una superficie. Lo más típico es colocar un folio encima de algo que queramos marcar y con una mina de grafito frotar sobre la superficie, pero muchos autores van más allá, creando auténticas obras de arte utilizando solamente esta técnica.

Giuseppe Penone es un artista que utiliza el frottage pero también contrasta diferentes texturas muy diferentes creando por ejemplo lo siguiente:

Max Ernst también es un artista parecido, que personalmente, me ha gustado mucho más:

Tras hablarnos del frottage, comenzó a contarnos sobre el relieve y las texturas en relieve. Hay diferentes tipos de materiales inertes con que se puede crear como por ejemplo: polvo de mármol, esmeril, virutas de hierro, piedra pómez, creta o aguaplast. Algunos artistas son Francisco López Soldado, Tapies y Barceló.

Los tipos de textura pueden ser diferentes: suave, áspero, caliente, frías, blandas, secas... Al terminar de explicar las texturas nos puso un vídeo de una performance de Barceló que consistía en dos hombres trajeados se dejaban llevar por el arte con barro en dos superficies, una en el suelo y otra en la pared vertical. Se manchaban y se recubrían de barro haciendo una obra de arte al terminar con ayuda de sus cuerpos.

https://www.youtube.com/watch?v=rhUWkEqYPt0

Este tipo de vídeos hacen tener sensaciones totalmente diferentes y extrañas al verlo en cualquiera.

En un momento de la clase, la profesora nos habló de lo sacrificada que es la vida de un artista para exponer en galerías, y trucos para que no nos engañen en un futuro y saber actuar ante personas que pretenden timarnos con nuestro arte. Ha sido muy útil esta charla porque a muchos de nosotros nos ha abierto los ojos de cara a un tiempo.

Al final de la clase mandó un trabajo que próximamente subiré a este blog que consiste en hacer tres tipos de textura de manera artística, una de frottage y otra obra de relieve. Tamaño y tema libres.

Clase 12 (30 de octubre 2018)

La clase de este día fue teórica. La profesora nos explicó con ayuda de una presentación hecha por ella las imágenes y su interpretación. Las pautas básicas que todo alumno de Bellas Artes tiene que saber para analizar una imagen correctamente.

Un alumno debe saber interpretarlas, construirlas y contextualizarlas. Aprender a interpretar imágenes es alfabetización visual. Las imágenes conforman un lenguaje para que el espectador sepa analizarlas e interpretarlas, y este lenguaje, depende de cómo sea, modifica el cerebro. En general, hay tres tipos; el no verbal, el verbal y el escrito

A las personas les cuesta mucho admitir que son analfabetas, sin embargo, no les cuesta tanto admitir que son alfabetas visuales. ¿Qué es el lenguaje visual? Es un código específico de comunicación visual, como el color, textura, composición, forma, iluminación...

¿Qué es una imagen? Es una representación de la realidad, pero nunca es la realidad en sí misma. Sirven para numerosas cosas como:
+ Informar y comunicar
+ Acercarnos históricamente
+ Representar
+ Prensar un momento que nunca volverá

En este momento, la profesora hizo una especie de práctica para demostrarnos que una imagen es más compleja que las palabras. Por eso, eligió dos voluntarios para que se quedaran dentro de la clase y vieran una imagen. Todos los demás saldríamos de clase y al rato entramos para que las compañeras nos explicasen la imagen que habían visto y la imaginemos. Cada una nos dio un punto de vista diferente y con eso teníamos que crear una imagen en nuestro cerebro. Después, la profesora nos pidió que dibujásemos lo que nos habíamos imaginado. Al terminar puso la imagen en la pantalla y los dibujos coincidían muy poco con la imagen real. De esta manera nos demostró que una imagen vale más que mil palabras.

Para finalizar la clase nos presentó un artista que realizaba retratos a bolígrafo. Juan Francisco Casas. Nos enseñó una obra suya a boli de dos chicas posando en bikini frente a un espejo. Esta escena dio lugar a un debate muy interesante que envolvía a toda la clase. ¿Esa imagen era machista? Había personas a favor y personas en contra de esta teoría y fue muy interesante escuchar a los compañeros ya que había puntos de vista muy interesantes y que nunca me habría planteado.